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"Je ne suis pas abstrait ni du point de vue du climat de mes oeuvres, ni du point de vue « exécution ». Une forme m’intéresse seulement quand elle vit (ou alors quand j’ai réussi à la faire vivre) et alors elle n’est plus abstraite : elle est vivante !" Jean-Michel Atlan

Dans mes toiles, tout se fond (absence de coins), tout s’entrelace.

Je peux ainsi retrouver l’apparente simplicité de la vie ; images conservées de l’enfance.

La forme est libre et séduisante ; le fond est donc plus facilement exprimé.

J’utilise des couleurs vives et des formes molles afin d’obtenir un visuel attrayant.

Derrière la simplicité du graphisme se cachent des angoisses, une recherche de perfection, d’éternité.

Le thème de la mort est omniprésent (attitudes figées des personnages,) 

 la solitude, le sexe, la nudité masculine.

Un travail préparatoire (croquis, montages, collages) précède le tracé final sur toile.

L’huile est posée en glacis successifs avant le noir final qui va cloisonner chaque couleur.

Robert Doisneau est né en 1912 à Gentilly, en banlieue parisienne.

Jeunesse grise derrière les rideaux de macramé d'une famille petite-bourgeoise, il apprend à 15 ans le métier de graveur lithographe à l'école Estienne et entre dans la vie active en dessinant des étiquettes pharmaceutiques. 
C'est chez André Vigneau, dont il devient le jeune opérateur en 1931, qu'il découvre le monde de la création artistique qui l'animera désormais. Quatre années au service publicité des usines Renault soldées par un licenciement pour retards répétés, lui permettent d'accéder au statut convoité de photographe indépendant.
La guerre éclate alors mettant un frein brutal à ses projets. Dans l'euphorie des années d'après-guerre, bien qu'il soit quotidiennement soumis à la commande pour des raisons matérielles, il accumule les images qui feront son succès, circulant obstinément « là où il n'y a rien à voir », privilégiant les moments furtifs, les bonheurs minuscules éclairés par les rayons du soleil sur le bitume des villes.

Ecrivain, cinéaste, artiste et photographe, Alain Fleicher vit et travaille entre Paris, Rome et Tourcoing. 
Etudes de lettres modernes, de linguistique, de sémiologie et d’anthropologie à la Sorbonne et à l’Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales. Il a enseigné dans diverses universités, écoles d’art, de cinéma et de photographie, et a dirigé de nombreuses master classes en France et à l’étranger. 
Sur mission du Ministère de la Culture, il a créé le Fresnoy-Studio national d’art contemporain dont il est aujourd’hui le directeur. 
Auteur d’une trentaine d’ouvrages de littérature (romans, recueils de nouvelles, essais), Alain Fleischer publie à l’automne 2006 L’amant en culottes courtes (autobiographie) aux Editions du Seuil. 
Réalisateur de quelques cent cinquante films, dans des genres aussi divers que le long métrage de fiction, le cinéma expérimental ou le documentaire d’art. Ses films ont été présentés dans de nombreux festivals internationaux comme Cannes, Berlin, Rotterdam, New York, Montréal, Venise ou Locarno. Il a été deux fois primé au Festival international du Film sur l’art de Montréal qui lui a consacré un hommage en 2002. 

Depuis, les expositions et les projets s’enchaînent. Pleines de couleurs et d’intensité, ses créations     ( peintures, collages, créations originales à base de recyclage et  sculptures )  voyagent à travers le monde et dernièrement à Paris, New York, Cannes, Nice, Miami, Monaco, Londres, Abu Dhabi,  ou Saint Paul de Vence…

Ces derniers mois, il a été notamment l’artiste du Trophée ATP de l’Open de Nice soulevé cette année par Nicolas Almagro, des Trophées récompensant la 14^e édition des palmes de la communication à Cannes,  et du cadeau d’inauguration remis à Yannick Noah pour l’inauguration des Arènes de Fréjus…

Son Show Room privé de 140m2 est ouvert depuis le printemps 2011 sur la commune de Mandelieu La Napoule, petite ville balnéaire du sud de la France.

But perhaps his most memorable work has been in the field of humour, working with children and animals in real life situations which give a new slant on the world.

Photos by John Drysdale sell worldwide to magazines, advertising agencies and publishers of books, cards, posters and calendars. Books of his work have been published in Germany, Japan, UK and the USA.

This website shows only a glimpse of the wide range of high-quality colour and black-and-white pictures which are available.

Il se passionne pour les artistes de la Renaissance et suit les cours de l’Ecole des Beaux-Arts. 
En 1909, il réalise son premier tableau, un paysage de style impressionniste. En 1910, dans un second paysage : Neve, on ressent déjà ce qui fera son propre style. 
D’ores et déjà, l’accent est porté sur une composition rigoureuse, l’utilisation de formes géométriques simples et des masses colorées aux harmonies raffinées. 

Mirkine, un patronyme inscrit dans la légende du septième art, une oeuvre, celle de Léo et de son fils, Yves "Siki" Mirkine.  
La saga Mirkine commence à Kiev en Ukraine. Leo a neuf ans lorsque la Révolution d’Octobre le déracine, le voilà à Nice avec sa famille. Après une préparation aux Beaux-Arts et des études d’architecture,  Léo va aborder le cinéma par la toute petite porte. Il est d’abord figurant, mais déjà sa personnalité hors normes, son charisme le fait sortir du rang. Il devient  assistant décorateur avant de s’imposer comme photographe de plateau. 
Léo Mirkine et très vite son fils « Siki »  ont ainsi vécu puis restitué « de l’intérieur » le tournage de plus de cent films, tous ceux de Christian-Jacque depuis les années 30 jusqu’au bondissant « Fanfan la Tulipe », et tant d’autres devenus d’incontournables classiques, de « Carnet de bal » de Julien Duvivier à « J’accuse » d’Abel Gance,  des « Diaboliques de Georges-Henri Clouzot à « Dieu Créa la femme » de Roger Vadim jusqu’au « Testament d’Orphée » de Jean Cocteau. 

Marc Riboud est né en 1923 à Lyon. A l'Exposition Universelle de Paris en 1937, il prend ses premières photographies avec le petit Vest-Pocket offert par son père pour ses 14 ans. En 1944, il participe aux combats dans le Vercors. De 1945 à 1948, il fait des études d'ingénieur à l'Ecole Centrale de Lyon et travaille en usine. A l'issue d'une semaine de vacances prise pour photographier le Festival de Lyon, il oublie de retourner à l'usine et décide de se consacrer à la photographie.

En 1953, il obtient une publication dans le magazine Life pour une photo d'un peintre de la Tour Eiffel. Sur l’invitation d’Henri Cartier-Bresson et de Robert Capa, il rentre à Magnum. Ce dernier l'envoie à Londres “pour voir les filles et apprendre l'anglais”. Il n'apprend pas l'anglais mais photographie intensément.

En 1955, via le Moyen-Orient et l'Afghanistan, il se rend par la route en Inde, où il reste un an et d'où il gagne la Chine pour un premier séjour en 1957. Après un séjour de trois mois en URSS en 1960, il couvre les indépendances en Algérie et en Afrique noire. Entre 1968 et 1969, il effectue des reportages au Sud ainsi qu’au Nord Vietnam, où il est l’un des rares photographes à pouvoir entrer.

Depuis les années 80, il est régulièrement retourné en Orient et en Extrême-Orient et a exposé à Paris, Londres, New York, Beijing, Hong Kong, Bilbao…

Louis Stettner ( born in 1922 ) is a celebrated American photographer whose work includes iconic images of Paris and New York. He was born and raised in Brooklyn, New York but moved to Paris in the 1950s, where he now lives permanently with his family.

Louis has photographed Paris and New York for over 60 years, capturing the changes in the people, culture, and architecture of both cities. Using both black and white and color images, his work documents fleeting moments in the life of the cities, moments that often cannot be recaptured. Stettner has documented the architectural and cultural evolution of Paris and New York, making his archive of thousands of images an important resource. Few photographers have such an extensive archive of both cities, one that includes historic images of each city's most celebrated landmarks and the daily lives of its citizens.

His work has an unforced naturalistic quality to it, as he sought to capture the ordinary, every day lives of his subjects. He was particularly interested in documenting the lives of the working class in each city and he demonstrates much sensitivity in this endeavor, photographing them with great dignity. A limited amount of his work is devoted to still life and landscape images. Additionally, his paintings and sculptures tend to be abstract and in sharp contrast to his clear, vivid photographic images.

As a teenager and young man, Stettner was a regular visitor to the Metropolitan Museum of Art to explore its photographic prints collection. His first camera was a wooden view camera and today he still shoots with film rather than moving to digital images. Stettner studied and taught at the Photo League until he went to Paris after the Second World War. He received his Bachelor of Arts, Photography & Cinema I.D.H.E.C. at Paris University. Throughout his life, he has gotten to know and work with many great photographers. Stettner visited Stieglitz's gallery - An American Place - but was too scared to speak to him. After sending Stieglitz photographs, Stieglitz sent him a handwritten letter of thanks which Stettner cherished. A little later, Stettner visited Paul Strand, who supported his artistic endeavors and encouraged him to continue photography. Later in Paris the two men became friends.

Now in his 80s, he continues to photograph with great energy. Stettner also spends significant time sculpting and painting, as well as mixing his work and “painting” on some of his photographic images.